La moda è arte? Una semplice domanda nasconde il complesso universo di una relazione articolata. Il progetto analizza le forme di dialogo tra i due mondi: contaminazioni, sovrapposizioni e collaborazioni, dalle esperienze dei Preraffaelliti, a quelle del Futurismo, dal  Surrealismo al Radical Fashion; l’attenzione si sofferma sul lavoro di Salvatore Ferragamo che, affascinato dalle avanguardie artistiche del Novecento, s’ispirò al mondo dell’arte, su alcuni atelier degli anni cinquanta e sessanta, luogo di studio e di incontri, e sulla nascita della cultura della celebrità, per proseguire fino alle sperimentazioni degli anni novanta e arrivare ad interrogarsi se nell’industria culturale contemporanea si possa ancora parlare di mondi distinti o di un fluido gioco di ruoli. 

La particolarità del piano espositivo e del catalogo risiede nella collaborazione con altre istituzioni culturali che hanno partecipato attivamente alla costruzione dell’idea nell’obiettivo di invitare a una riflessione comune: oltre al Museo Salvatore Ferragamo, autore con la Fondazione Ferragamo del progetto, a Firenze la Biblioteca Nazionale Centrale, le Gallerie degli Uffizi, Galleria d’arte moderna e Galleria del Costume di Palazzo Pitti, il Museo Marino Marini e il Museo del Tessuto a Prato.

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Progetto ideato e curato da Maria Luisa Frisa, Enrica Morini, Stefania Ricci, Alberto Salvadori.

La prima sezione della mostra è dedicata a Salvatore Ferragamo e alle sue calzature, giudicate già negli anni trenta manufatti di valore artistico, facendo riferimento ad un concetto dell’arte che focalizzava l’attenzione sulla maestria tecnica al pari della creatività concettuale. 

Una videoinstallazione mette a confronto le calzature con la loro fonte d’ispirazione, il mondo classico, l’oriente, le avanguardie artistiche del Novecento, il Surrealismo ma anche la cultura artigiana della città. 

Nella sala sono esposti anche i bozzetti pubblicitari originali, creati dal pittore futurista Lucio Venna negli anni Trenta per promuovere le calzature Ferragamo, i modelli realizzati per intellettuali e artisti e il dipinto di Kenneth Noland della fine degli anni Cinquanta, che ha ispirato la celebre scarpa Tirassegno.

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Arte e moda si sono fronteggiate, spesso guardate l’una con l’altra, anche nel passato. Per gli studiosi d’arte, l’abbigliamento documentato in un dipinto aiuta la datazione di un’opera d’arte. Viceversa per gli storici della moda, l’abito dipinto da conto del movimento, del gesto e dell’appiombo di una veste 

Per la moda italiana il riferimento al mondo dell’arte italiana è stato sentito come elemento di forte distinzione, rispetto alla moda francese, allora imperante. Fondamentale in questo percorso fu il ruolo svolto da Rosa Genoni, sarta ma anche insegnante della sezione sartoria alla Scuola professionale femminile di Milano. Per l’Expo di Milano del 1906 fece realizzare due abiti, come manifesti programmatici delle sue idee, uno ispirato ad un disegno di Pisanello conservato nel Museo Condé a Chantilly, l’altro all’abito della Primavera del Botticelli. 

Da cassa di risonanza di questo tema, svolge il filmato della Biennale di Arte e Moda a Firenze del 1996, diretta da Germano Celant con l’obiettivo di esplorare e raccontare le influenze reciproche, il rapporto creativo fra l’universo della moda e le arti visive, il design, l’architettura, il cinema, la fotografia, il costume e la storia.

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Nel corso dell’Ottocento, la moda cominciò a dilagare nelle città con il contributo dell’industria tessile e di nuove forme di distribuzione commerciale. Fu una metamorfosi totale, che diede anche inizio a forme originali di dialogo fra arte e moda. 

Attraverso una serie di esempi, la sezione propone un percorso attraverso questo dialogo che si svolge ormai da più di un secolo. 

Si inizia con gli artisti Preraffaelliti inglesi, la Secessione viennese di Gustav Klimt e della Wiener Werkstätte e con Mariano Fortuny, senza dimenticare le sperimentazioni futuriste. Si passa poi alle esperienze degli artisti che hanno fatto moda come Sonia Delaunay e alle collaborazioni dirette tra artisti e creatori di moda, come Thayaht con Vionnet oppure Dalì e Cocteau con Schiaparelli, fino ad arrivare alle cooperazioni più recenti. 

Una attenzione particolare è dedicata ai designer che ispirandosi all’arte hanno profondamente innovato la moda, come nel caso di Yves Saint Laurent con Mondrian.

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Molte volte gli artisti hanno lavorato per la comunicazione della moda, come disegnatori per le riviste, come illustratori di cataloghi pubblicitari. Esempio eclatante di questa simbiosi tra mondo dell’arte e della moda è costituito da Andy Warhol. 

Warhol nasce con la moda sin da quando nei primi anni '50 era stato disegnatore e pubblicitario di Glamour, Vogue e Harper's Bazaar, ideando scarpe dalla linea sottile ed elegante. Warhol ha diretto anche una rivista “Interview”, qui riproposta in cinquanta numeri,che ha fatto da trade union del mondo dell’arte con quello della moda. 

Il suo presenzialismo sulla scena culturale di New York è rappresentato da una serie di scatti fotografici che lo ritraggono in diversi momenti della vita sociale newyorkese e dalla celebre installazione Altered Image dello Studio Makos. 

Certo è che nei suoi progetti, Andy Warhol ha disseminato input estetici di forte impatto dalla natura spesso dissacrante. L’esempio più lampante è “The Souper Dress”, un concentrato tra moda, arte e logica industriale.

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Se l’atelier di Ferragamo rappresenta la bottega dell’artista-artigiano del Rinascimento, dove è la maestria tecnica andava di pari passo con la creatività, l’atelier degli anni sessanta di Germana Marucelli è il luogo di incontro tra operatori della moda, artisti e intellettuali uniti nella ricerca di nuove forme espressive in grado di interpretare il proprio tempo. 

La sezione riproduce l’atelier-salon della Marucelli ospitando le opere d’arte originali di Pietro Zuffi, Getullio Alviani, Paolo Scheggi e gli abiti, che furono frutto del sodalizio con questi artisti.

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Dall’atelier al mood board mostra come l’immaginario dei fashion designers sia sempre più uno storytelling per immagini che emerge dal flusso di informazioni, cercando di stimolare nel pubblico due qualità come l’attenzione e la memoria. 

Realizzato con la rivista A Magazine, uno spazio immersivo accoglierà il pubblico e lo proietterà nell’universo visivo e immaginifico di eccezionali menti creative. 

Il mondo di Haider Ackermann, Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Iris Van Herpen, Dries van Noten, Giambattista Valli, Stephen Jones, Rodarte, Jun Takahashi, Kris Van Assche, Martine Sitbon, Proenza Schouler, Riccardo Tisci comporrà un caleidoscopio di immagini di arte, musica, poesia e fotografia.

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Che l’arte possa usare la moda per plasmare il suo linguaggio critico, è dimostrato dall’opera dell’artista britannico di origine nigeriana, Yinka Shonibare. 

Con le sue installazioni e trasposizioni filmiche propone una profonda riflessione sulla multiculturalità, analizzando principalmente la questione coloniale. 

Le figure che animano le sue opere sono costituite da manichini in posa teatrale e drammatiche, abbigliati secondo le fogge tratte dai dipinti del XVIII e XIX secolo, ma realizzate con stoffe batik, di chiara discendenza africana.

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